Владимир Рузанов: Донскому кинобизнесу нужна новая кровь

Фото: Из архива В. Рузанова ©

Ростов-на-Дону, 9 января 2018. DON24.RU. В интервью «Молоту» известный ростовчанин, режиссер фильма «Криминальный папа» и актер сериала «Ангел или демон» Владимир Рузанов рассказал о магии кино, режиссерских страхах и о том, почему на красной дорожке Bridge of Arts в Ростове мы видим всех, кого угодно, только не актеров.

– В Ростовской области начал работу кинокластер «Дон». Как вы относитесь к современному кинопроизводству?

– Я наконец-то начал смотреть телевизор, меня радуют кино и сериалы. Есть те, увидев которые, я сразу переключаю канал, а есть те, которые смотрю с удовольствием. Они стали добротными – пожалуй, это и есть моя оценка современного кинопроизводства. Все логично: когда собирается хорошая профессиональная команда, когда не воруют деньги и они получены в полном объеме – это здорово. Все знают, что можно снять с плеча, – будет дерганая картинка; можно снять с рельсов – это одна цена, а можно со «Стадикама» – это совсем другая; но если еще картинку подхватить хорошим операторским краном – будет высший класс. Но все это, к сожалению, стоит уже больших денег. Мне нравится, что кино сегодня пошло в регионы: Ростов, Геленджик, Владимир. Съемки продолжения «Зеленого фургона», начавшиеся в Ростове и Таганроге, до сих пор идут в московских павильонах. Там собралась неплохая команда, хороший актерский состав, и я надеюсь, что получится хорошее смотрибельное кино.

Вы окончили режиссерский факультет Высшего театрального училища им. Б. Щукина. Чего боятся начинающие режиссеры больше – отсутствия денег и продюсеров или нехватки творческих идей и вдохновения?

– Когда приходишь в театр, страха отсутствия денег нет, ведь в любом случае у тебя есть помещение и артисты, а это уже полработы, ведь есть где работать и с кем, есть материал. Художник делает эскизы, их утверждают и начинают подгонять под бюджет. Когда я ставил дипломный спектакль в Мордовском национальном театре, мне сказали, дескать, у тебя бюджет вот такой. Дальше вступила бухгалтерия, подсчитывая стоимость костюмов и размеры гонораров. Все было сделано с умом: художники изготовили костюмы и декорации, которые трансформировались. Кстати, мой спектакль на той сцене играется до сих пор и каждый раз проходит на ура. Поэтому самый главный страх начинающего режиссера – чтобы все получилось, все срослось, чтобы посреди спектакля зритель не стал уходить, чтобы понял твой замысел. Всегда хочется дать ему информацию к размышлению.

– О чем думает режиссер в тот момент, когда зритель уходит из зала во время его спектакля? Кого винит?

– Приглашенным театральным режиссерам в этом смысле везет, потому что мы присутствуем, как правило, только на премьере. Потом спектакли проходят без нас. Конечно, бывает всякое, но на моих премьерах я такого не припомню, ни за один свой спектакль мне не стыдно. Я их сравниваю с детьми: одни долгожданные, другие совсем не запланированные. В первом случае ты вынашиваешь спектакль в голове, спишь и думаешь о нем. Кстати, сейчас я вынашиваю короткометражный фильм о радиожурналистах. Бывает, во сне у меня рождается сцена, которая еще не написана. Так у меня было и в роли актера со спектаклем «Король-олень»: оставалось несколько дней до премьеры, а роль никак не ложилась, я думал, что провалюсь. Решение пришло во сне, режиссер выдохнул, роль удалась, и спектакль венчали бурные аплодисменты.

– Как вы считаете, кинобизнесу нужна новая кровь или в приоритете всегда будет опыт?

– Новая кровь, конечно, нужна. Но не надо забывать о мэтрах. Сегодня на Дону появилась целая плеяда молодых талантливых режиссеров, хотя многие из них грешат тем, что дергают планы из американских фильмов. У нас очень мало режиссеров, умеющих работать с артистами. Возможно, они знают, как хорошо снять и смонтировать, но поставить правильную задачу артисту не умеют. А актеры в своей работе всегда должны помнить заветы Станиславского и соблюдать принципы жизненной правды и веры в предлагаемые обстоятельства. Это азбука актерского мастерства, но, к сожалению, не все ею владеют.

– Вы были приглашены в этом году на фестиваль Bridge of Arts? Чего, по-вашему, не хватает ростовскому кинофестивалю?

– То, что у нас проходит этот фестиваль, – само по себе уже очень хорошо. Благодаря ему на Дон пришло кино, у нас открылся кинокластер. Большой общей ошибкой я считаю вот что (и я сказал об этом Олегу Тактарову): Ростовская область очень богата кинематографическими традициями и именами, и не мешало бы на открытие Bridge of Arts пригласить, к примеру, нашего легендарного теле- и кинооператора Эдуарда Кечеджияна, известнейшего актера Игоря Богодуха и многих других, а у нас по красной дорожке из года в год идут бизнесмены, спортсмены и все кто угодно, только не режиссеры, не операторы и не актеры.

– В вашем фильме «Криминальный папа» снимался Роман Гайдамак, который недавно получил статуэтку «За творческий прорыв» за роль в спектакле театра Горького «Тихий Дон». Как же режиссеру распознать, кто перед ним: актер театра или кино? И может ли человек органично смотреться как в кино, так и на сцене?

– Сегодня 90% актеров, которые снимаются в кино, – это театральные актеры. Театр – наша база. Есть вещи, которые гораздо сложнее сыграть в театре: например, за два часа, если ты Ромео, ты должен влюбиться, жениться, убить человека, уйти из города и умереть. Кино же снимается не по порядку, сначала может быть отработана финальная сцена, а потом все остальные. В этом плане съемки в кино проще, но, для того чтобы выйти на нужный градус, актер должен знать, какая сцена предшествует той, в которой он снимается сейчас. Тогда есть развитие роли.

– Вы проявили себя как прекрасный актер в сериале «Боец», который часто повторяют на федеральных телеканалах. Сюжет про морского пехотинца на слуху у каждого второго россиянина. Были ли на съемочной площадке курьезные случаи?

– В этом сериале я сыграл полицейского, и в том же году я снялся в роли бандита в сериале «Атаман». Казусов происходит масса, к примеру, в моем фильме по сценарию у нас должен был быть мотоциклетный трюк, исполняемый каскадером, которого артист должен был снять с мотоцикла. Задача сложная, и ребята, конечно, должны были прийти на съемочную площадку подготовленными, так как любой подобный парный трюк требует многократных репетиций. Однако когда наступил съемочный день, стало понятно, что актер и каскадер впервые видят друг друга. Сказать, что режиссер и продюсер были в шоке, – это ничего не сказать, но делать нечего, надо снимать. Это не шутки: уже организовано полицейское оцепление, готовы участники массовки и декорации. Мы решились, и в итоге сцена была снята с первого дубля. Актер не пострадал, а видавший виды мотоциклист-каскадер отделался легким испугом и треснувшим шлемом.

– Новогодние каникулы закончились, и все-таки хочется спросить о детских елках и корпоративах. Ведь, по мнению обывателя, на них не зарабатывает только ленивый. Так вот, для кого выгоднее работать – для детей или для взрослых?

– Выгоднее вести корпоративы, ведь там зарабатываешь больше денег и меньше устаешь. Сегодня по неизвестной мне причине в детских садах запретили проводить утренники с участием приглашенных артистов. Может, боятся, что артисты много заработают, хотя там деньги небольшие. Нерадужная картина и с другими праздниками. Например, когда мы идем к доктору, то стараемся узнать у знакомых или на форумах, какой врач лучше, – здесь речь об элементарном профессионализме! Когда же мы говорим о шоу с неким лицедейством, складывается такое ощущение, что этим сегодня в Ростове не занимается только ленивый. Все занимаются, кроме артистов. Тот же детсад, который приглашал меня в прошлом году, сейчас заявил, что на этот раз им придется обойтись собственными силами.

И что из этого вышло? К сожалению, я сегодня столкнулся с такой проблемой: мне часто говорят, что надо купить лицензию и оформить ИП, но это совсем не выгодно. Ведь должен быть хороший отшитый костюм, густая борода, за которой надо ухаживать. Деду Морозу надо заработать денег, чтобы отдать костюм в химчистку. Я плачу деньги и отдаю бороду и усы гримерам, чтобы их помыли, завили, привели в порядок, и чтобы это не была, как в известной песне, «борода из ваты». Когда дома папа переодевается – это хорошо, но в детских садах это непрофессионально.

– Правда ли, что, однажды сыграв Деда Мороза, остановиться невозможно?

– Абсолютная правда. У меня 30 лет актерского стажа, а Дедом Морозом стал вынужденно, когда устраивал ребенка в детский сад. Заведующая поставила мне условие, что я на утренниках буду Дедом Морозом. Но ребенок вырос, а Дед Мороз остался в детском саду. Каждый год ты пытаешься «завязать», говоришь себе, что это в последний раз, убеждаешь, а через год ты снова Дед Мороз.

Мои костюм и бороду после выступления хоть выжимай! Если елки идут подряд, то я сушу их на батарее! И, кстати, за праздники теряю несколько килограммов веса, потому что проводить нон-стоп много утренников – это очень и очень тяжело. После праздников ко мне часто приходят родители и выражают восторг и благодарность. Это моя работа. Я же не иду в стоматологи, не берусь лечить зубы, хотя видел, как это делают по телевизору.

– Какие планы на 2018-й?

– Очень надеюсь, в нашей стране наконец-то закончится кризис. Странно, что экономисты и министры рапортуют о том, что страна уже его преодолела, а денег все нет. Хотелось бы, чтобы кинокластер «Дон» заработал в полную мощь, также надеюсь, что мне удастся поставить несколько спектаклей и открыть киношколу.

На самом деле хорошее кинопроизводство – это если из 8–12 часового съемочного дня в эфир попадут 8–12 минут. Когда съемочный график плотнее, то получаются сериалы, которые невозможно смотреть.

Досье

Владимир Рузанов родился 27 ноября 1963 года. Его портфолио включает 100 с лишним ролей в театре (главная роль – в культовом для ростовчан спектакле «Собаки») и около 30 ролей в кино (последняя работа – одна из главных ролей в сериале «Ангел и Демон»). Работал с ростовскими мастерами Виктором Шамировым, Александром Расторгуевым, Кириллом Серебренниковым, Эдуардом Кечеджияном. Самостоятельную режиссерскую деятельность начинал с игровой рекламы, клипов, документального кино.

Комментировать

Редакция вправе отклонить ваш комментарий, если он содержит ссылки на другие ресурсы, нецензурную брань, оскорбления, угрозы, дискриминирует человека или группу людей по любому признаку, призывает к незаконным действиям или нарушает законодательство Российской Федерации
Комментарии
(6) комментариев

Два в одном, или История киножанра, который нельзя снимать неправильно

Ростовская область, 27 марта 2024. DON24.RU. Об этом жанре известный кинорежиссер и продюсер Дэмьен Шазелл писал так: «Если облажаешься, то это будет самое ужасное кино. Но если снять правильно, то это будет самый прекрасный фильм в мире». Киномюзикл – удовольствие 2 в 1: истории, и видеоряд, и великолепно исполненные музыкальные композиции, умело вплетенные в сюжет картины. О крайне интересной столетней истории киномюзикла от «Певца джаза» до «Ла-Ла Ленда» – в материале ИА «ДОН 24».

Золотой век киномюзикла: 1930-е – начало 1950-х

Изначально мюзиклы не были связаны с кино. Они зародились на сцене театра, и только после появления звукового кино в 1927 году жанр стал просачиваться на большие экраны. Первый фильм, который можно отнести к жанру, он же первый звуковой фильм вообще, вышел именно в 1927 году. Это был «Певец джаза» Алана Кросленда. Мюзиклы были призваны для того, чтобы приучать зрителя к тому, что кино перестало быть немым. Жанр успешно выполнял свое невеликое, но важнейшее призвание. Во многом по причине новизны формата первые киномюзиклы напоминали всю ту же театральную постановку, но снятую на пленку.

На дворе стоял конец 1920-х, киноделам приходилось сталкиваться со многими проблемами, вызванными несовершенством технологий. Например, актеры не могли далеко отходить от микрофона, который приходилось прятать где-то за декорациями. Исполнители ролей из-за этого топтались на месте, словно прикованные. Неудобно, но такими были реалии того времени.

«Певец джаза» задал вектор развития всему кинематографу на ближайшие годы. Успех первого звукового фильма подвигнул продюсеров вставлять песни чуть ли не в каждую новую кинокартину, однако далеко не всегда композиции в этих фильмах помогали раскрыть сюжет или героев. Но и такие примеры есть: в «Параде любви» Эрнста Любича и «Аплодисментах» Рубена Мамуляна музыка целенаправленно использовалась как часть диалогов или внутренних размышлений персонажей. Окончательно жанр киномюзикла в индустрии прижился лишь с выходом «Огней Нью-Йорка», рекламная кампания которого проходила под слоганом «стопроцентно говорящий, стопроцентно поющий, стопроцентно танцующий». В следующие несколько лет мюзиклы активно осваивались в Голливуде, но большинство из них все еще были экранизациями самых громких театральных постановок. Но чисто кинематографические мюзиклы не заставили себя долго ждать: вскоре на больших экранах стали выходить и оригинальные картины под музыку таких великих композиторов, как Джером Керн, Сервинг Берлин, Джордж Гершвин и Коули Портер.

Появление звукового кино спровоцировало формирование системы звезд в Голливуде. Значимость актеров в рекламных кампаниях резко возросла: зрители стали ориентироваться на конкретные лица, исполнители ролей отныне не являлись пустым звуком для них. Продюсеры прозаично закрепляли актеров за конкретным амплуа, с которым им приходилось идти дальше по карьерной лестнице. Интересно, что именно звезды мюзиклов пользовались наибольшей популярностью и уважением в индустрии. Они-то и оттеснили своих коллег по немому кино, которые очень быстро становились пережитком прошлого. Очень интересно данная смена поколений изображена во французском фильме «Артист».

Главным представителем жанра этой эпохи по праву считается «Волшебник страны Оз» – абсолютный бэнгер, как зрительский, так и премиальный. Фильм, ознаменовавший эпоху и сохранившийся в истории кинематографа как вечная классика. Музыкальное сопровождение сделало «Волшебника страны Оз» одним из лучших киномюзиклов тех лет, а статуэтки «Оскар» за лучшую песню и лучший саундтрек лишь уверяют нас в этом. 

 Своей высшей точки мюзиклы достигли в 1940-е. Люди находили в этих фильмах отдушину. Погрузиться в беззаботный мир с песнями и плясками, чтобы хотя бы на время абстрагироваться от войны и фронтовых новостей, хотели многие. Это отражают и сухие цифры: в 1945 году, когда закончилась война, шесть из десяти самых кассовых фильмов являлись мюзиклами.

Стагнация: 1950-е – начало 1960-х

В 1950-х годах Голливуду предстояло столкнуться с новым соперником – телевидением. Однако проблема не была ограничена только этим фактором. Фильмы стали более печальными и реалистичными, их сюжеты затрагивали более серьезные темы, а в самом обществе происходили изменения. Мюзиклы, в свою очередь, становились памятниками прошлого.

Рост стоимости производства мюзиклов привел к тому, что руководители студии Metro-Goldwyn-Mayer перестали рисковать своими деньгами, вкладывая их в оригинальные постановки. Вместо этого они вернулись к знакомой практике экранизации успешных театральных шоу, которые уже имели успех на Бродвее в Нью-Йорке. Некоторые из таких «блокбастеров» были созданы благодаря усилиям Ричарда Роджера и Оскара Хаммерштейна: «Оклахома!» (1955), «Карусель» (1956), «Король и я» (1956) и «На золотом пляже» (1958).

Одно из значимых событий того времени – появление на сцене молодой актрисы мюзиклов Барбары Стрейзанд, которая вскоре стала очень популярной. Отличительным представителем той эпохи можно считать «Вестсайдскую историю» – современную адаптацию истории Ромео и Джульетты, разворачивающуюся в трущобах Нью-Йорка.

Экспериментализм: от 1970-х до 1990-х

В это время роль мюзиклов в кино была практически на исходе. Каждый год выходило около 10 фильмов, что существенно меньше, чем в золотую эпоху мюзиклов, когда их количество достигало 60 и более. Большинство из этих фильмов не имели особой значимости. Тем не менее и Бродвей, и кинематограф продолжали развиваться, что привело к появлению экспериментальных работ. Особенно популярными стали рок-оперы, такие как фильм «Томми» (1975) режиссера Кена Рассела – странное галлюциногенное кино с футуристическими костюмами и декорациями, в котором Элтон Джон исполняет роль волшебника Пинбола. Еще одним примером является экранизация мюзикла «Иисус Христос – суперзвезда», рассказывающая о жизни Иисуса с использованием рок-музыки Эндрю Ллойда Уэббера.

«Бриолин» с Джоном Траволтой стоит отдельного упоминания. За маской искреннего признания в любви к Америке 1950-х годов фильм изображает неоднозначную эпоху с помощью мюзикла. Это семейный фильм, в котором представлены темы подростковой беременности, курения и юных преступников.

От нулевых и позже

Начало нулевых – время, когда киномюзикл вновь начал набирать обороты. До полноценного ренессанса было еще далеко, он не настал и по сей день, однако авторы все чаще стали обращаться к жанру как способу рассказать свою историю. Так, в 2002-м Роб Маршалл со своим «Чикаго» катком проехался по «Оскару», забрав целых шесть статуэток, в том числе за лучший фильм. Фильм также имел большой кассовый успех, так что не исключено, что история про соперничество Рокси Харт и Велмы Келли стала звоночком для всей индустрии, извещающим о том, что зритель вновь готов к пению и танцам на экране.

Хорошие мюзиклы стали посещать нас чаще. Но жанр все еще рассматривался как экспериментальный. Причем эксперименты эти касались не только творческой части, но и технической. За примером далеко ходить не надо: «Отверженные», Том Хуппер, первое соло Вальжана. Его монолог был снят с использованием стедикама –  системы стабилизации камеры, которую носит оператор. Это позволило Хью Джекману двигаться максимально свободно, так, как он считает нужным, чтобы передать все эмоции этой сцены.

Настоящим хитом стал второй фильм Дэмьена Шазелла под названием «Ла-Ла Ленд». Тогда, в 2016 году, фильм с Эммой Стоун и Райаном Гослингом в главных ролях покорил едва ли не каждого романтика своей чарующей атмосферой и магнетической историей любви двух творцов. Эмма и Райан ни разу не профессиональные певцы  и даже не танцоры. Однако, как верно утверждают критики, обаяние и химия между этими двумя оказались гораздо важнее. Интересно, что последний мюзикл категории A, то есть безоговорочно крупный жанровый фильм, который действительно охватил максимально широкую аудиторию, скорее мог бы прижиться в те самые 1930-е годы. Тема джаза, классический сюжет, который, конечно, нельзя считать чем-то принципиально новым, а также снятые с любовью музыкальные номера – все это словно перетекло к нам из золотого века киномюзикла. Получается, круг замкнулся? Отнюдь. «Ла-Ла Ленд» удачно сочетал в себе все самое лучшее, что было наработано жанром за его столетнюю историю, со свежим взглядом Шазелла. Удачная классическая история, рассказанная понятно, а главное, интересно для нового поколения зрителей. Хоть это и выглядит как формула успеха, все же стоит понимать, что все не так просто: талантливые авторы, которые могли бы встряхнуть жанр, на голливудских дорожках не валяются. Мюзикл все еще остается сложным для реализации жанром, браться за который решаются лишь смельчаки. Репутация киномюзикла в массах также не способствует его развитию: среди заядлых кинолюбителей еще можно отыскать тех, кто с уверенностью заявит о своей любви к пению и хореографии. Рядовой же зритель, услышав предложение посмотреть мюзикл, как правило, воспринимает эту идею с долей скептицизма. В лучшем случае. В худшем – открестится от этого на корню.

Наша команда не рассчитывает на то, чтобы изменить положение дел этим материалом. Мы лишь скромно предлагаем вам ознакомиться с нашей подборкой лучших и интереснейших киномюзиклов последних 30 лет. Не исключено, что несколько фильмов смогут заинтересовать вас. В таком случае мы надеемся, что их просмотр станет для вас приятным времяпрепровождением.

В формате лонгрида читайте текст тут.

 Владислав Фатхуллов, Полина Едрышова  ИА «ДОН 24»