Прокутил состояние, сделал Ростов колыбелью оперетки: ИА «ДОН 24» о том, чем известен грек Вальяно

Фото: https://rostovopera.ru

Ростовская область, 1 февраля 2021. DON24.RU. В честь 90-летия Ростовского театра музыкальной комедии будет организована театральная встреча «Имена и времена: Григорий Вальяно – пионер и рыцарь оперетты». Она состоится 4 февраля в 19:00 в здании Ростовского государственного музыкального театра, сообщается на сайте учреждения культуры.

Корреспондент ИА «ДОН 24» изучила биографию Григория Ставровича, который стоял у истоков ростовской театральной жизни, и выбрала некоторые интересные фрагменты.

Благородные корни

Григорий – потомок греков, которые обосновались в Таганроге после Русско-турецкой войны 1768–1774 годов. Его отца Ставра Вальяно два раза избирали городским головой, он входил в совет директоров местного театра, занимался благотворительностью.

А вот по линии матери Григорий – внук крупного греческого помещика Дмитрия Алфераки. Сам Дмитрий Ильич происходил из старинного, благородного рода архонтов (высшее должностное лицо в древнегреческих полисах). Во время экспедиции графа Орлова-Чесменского он присоединился к русским войскам и отличился в битвах при Лемносе и Митилене. За эти подвиги его наградили чином капитана, и Дмитрий Ильич перешел в подданство России. От императрицы Екатерины II получил большое имение вблизи Таганрога.

Этот основатель рода Алфераки, как впоследствии и его потомки, активно участвовал в развитии приморского городка. В частности, члены семейства Алфераки много внимания уделяли живописи, музыке и театру. Кстати, в Таганроге на улице Фрунзе, 41, сохранился великолепный дворец Алфераки.

Растратил состояние, бросил службу, стал актером

Григорий Ставрович родился в 1823 году. Он окончил Царскосельский лицей в Санкт-Петербурге, знал несколько иностранных языков, служил в кавалерии. Как отмечается на сайте Донской государственной публичной библиотеки, молодой человек получил большое наследство от отца, однако почти три четверти его быстро потратил на кутежи.

В 1862 году вышел в отставку, вернулся в Таганрог с остатками состояния и так увлекся театром, что «в один прекрасный день сразу порвал все связи с прошлым, бросил военную службу и сделался актером и антрепренером». Этот поступок удивил многих его родственников, знакомых. Они не понимали, как Григорий мог променять военную карьеру и светское общество на театральную деятельность.

Как рассказывал актер, переводчик пьес Григорий Пальма, Вальяно арендовал два театра: в Ростове и Таганроге. Первый был постоянным местопребыванием труппы, а во второй часть актеров отправлялась несколько раз в месяц. Репертуар состоял из драм, комедий, водевилей и опереток.

Григорий был антрепренером и режиссером этого ростовского Гайрабетовского театра. Артист оперетты Александр Бураковский вспоминал, что в те годы в Ростове были в основном красивые каменные дома, и «вдруг в центре города, на Садовой улице, возвышалось единственное деревянное оштукатуренное здание, которое портило своим видом всю улицу». Это строение и было театром. Он вмещал всего лишь 420 зрителей, в нем было плохое освещение, сцена была небольшая и неудобная, проходы в зале – узкие.

И чтец, и жнец, и на дуде игрец

Александр Бураковский подчеркивал, что Ростов может считаться родоначальником «трикового мира» (оперетки). Триковым миром раньше в прессе называли опереточные труппы, чьи артисты выходили на сцену в плотно облегающих костюмах из тонкого трико. Считается, что первые показы оперетт «Болтуны» и «Званый вечер с итальянцами» Ж. Оффенбаха прошли в городе 25 февраля 1869 года.

«Ни в Москве, ни в Петербурге не знали еще этого жанра, как уже там (в Ростове. – Прим. ред.) он процветал под управлением антрепренера, прогоревшего ротмистра Гродненского гусарского полка Григория Ставровича Вальяно», – вспоминал позже Бураковский.

По его словам, антрепренер сам ездил за границу, где покупал много либретто французских и немецких опереток. Их Вальяно переводил по ночам. Кроме того, он сам оркестровывал партитуры, рисовал костюмы, писал декорации, делал бутафорские вещи, режиссировал и разучивал хоры.

«Все оперетки шли с участием хоров Казанской церкви и еврейской синагоги. А для изображения войска, народа приглашались солдаты, в некоторых спектаклях выводились на сцену лошади, ослы, нужно было сооружать башни, корабли, изображать пожары, полеты, поезда и пр. При размерах тогдашней сцены это было адским трудом, который мог преодолеть лишь такой человек, как Вальяно, с такой страстной привязанностью к сцене, какую он имел», – писал журналист, водевилист Б. Камнев (псевдоним Бориса Фонштейна), который застал развитие оперетты на Дону.
 
Хотя Григорий Ставрович был солидного возраста, он часто и сам играл молодых людей. Актером он был не лучшим, зато приглашал на сцену талантливую молодежь. Многие начали свою карьеру или развили свои способности, работая именно у Вальяно.

Занавес ростовской карьеры 

На сцене показывали такие оперетты и феерии, как «Орфей в аду», «Прекрасная Елена», «Птички певчие», «Рауль Синяя Борода», «Зеленый остров», «Рыцарь Лантилог и пастушка Аметта», «Дочь рынка», «Глухой, или Полный трактир», «Легкая кавалерия», «Мельник, колдун, обманщик и сват», «Аскольдова могила», «Чертовы пилюли, или Большой выход сатаны», «Иван-царевич», «Гибель фрегата «Медуза» и многое другое. Театр Вальяно пользовался популярностью у ростовчан, антрепренер тратил на него много денег, влез в долги и, как пишет Борис Камнев, прогорел.

«...Я помню последний спектакль на Масляной, когда публика прощалась со своим любимым антрепренером, – овациям не было конца, кричали «Просим! Не уезжайте!». А Вальяно со сцены указывал, что вести дела кое-как не хочет, а вести так, как их вел до сих пор, здание ростовского театра не позволяет, но что он надеется вернуться в Ростов!» – писал журналист.

Затем Григорий Ставрович работал в Санкт-Петербурге и Москве. В Ростов он, как и обещал, вернулся, но уже будучи больным бедняком. Скончался «дедушка оперетты» 21 марта 1888 года в ростовском «Гранд-отеле», который стоял когда-то на пересечении улицы Большой Садовой и Буденновского проспекта.

«Предприятие Вальяно просуществовало до 1875 года – абсолютный рекорд для тех времен, когда труппа собиралась, как правило, на один сезон. За эти годы он поставил десятки оперетт. Таким образом, историческая заслуга Вальяно двойная: создал первую в России стационарную опереточную труппу и заложил основы российского опереточного репертуара», – написано на сайте Ростовского музыкального театра.

Комментировать

Редакция вправе отклонить ваш комментарий, если он содержит ссылки на другие ресурсы, нецензурную брань, оскорбления, угрозы, дискриминирует человека или группу людей по любому признаку, призывает к незаконным действиям или нарушает законодательство Российской Федерации

Два в одном, или История киножанра, который нельзя снимать неправильно

Ростовская область, 27 марта 2024. DON24.RU. Об этом жанре известный кинорежиссер и продюсер Дэмьен Шазелл писал так: «Если облажаешься, то это будет самое ужасное кино. Но если снять правильно, то это будет самый прекрасный фильм в мире». Киномюзикл – удовольствие 2 в 1: истории, и видеоряд, и великолепно исполненные музыкальные композиции, умело вплетенные в сюжет картины. О крайне интересной столетней истории киномюзикла от «Певца джаза» до «Ла-Ла Ленда» – в материале ИА «ДОН 24».

Золотой век киномюзикла: 1930-е – начало 1950-х

Изначально мюзиклы не были связаны с кино. Они зародились на сцене театра, и только после появления звукового кино в 1927 году жанр стал просачиваться на большие экраны. Первый фильм, который можно отнести к жанру, он же первый звуковой фильм вообще, вышел именно в 1927 году. Это был «Певец джаза» Алана Кросленда. Мюзиклы были призваны для того, чтобы приучать зрителя к тому, что кино перестало быть немым. Жанр успешно выполнял свое невеликое, но важнейшее призвание. Во многом по причине новизны формата первые киномюзиклы напоминали всю ту же театральную постановку, но снятую на пленку.

На дворе стоял конец 1920-х, киноделам приходилось сталкиваться со многими проблемами, вызванными несовершенством технологий. Например, актеры не могли далеко отходить от микрофона, который приходилось прятать где-то за декорациями. Исполнители ролей из-за этого топтались на месте, словно прикованные. Неудобно, но такими были реалии того времени.

«Певец джаза» задал вектор развития всему кинематографу на ближайшие годы. Успех первого звукового фильма подвигнул продюсеров вставлять песни чуть ли не в каждую новую кинокартину, однако далеко не всегда композиции в этих фильмах помогали раскрыть сюжет или героев. Но и такие примеры есть: в «Параде любви» Эрнста Любича и «Аплодисментах» Рубена Мамуляна музыка целенаправленно использовалась как часть диалогов или внутренних размышлений персонажей. Окончательно жанр киномюзикла в индустрии прижился лишь с выходом «Огней Нью-Йорка», рекламная кампания которого проходила под слоганом «стопроцентно говорящий, стопроцентно поющий, стопроцентно танцующий». В следующие несколько лет мюзиклы активно осваивались в Голливуде, но большинство из них все еще были экранизациями самых громких театральных постановок. Но чисто кинематографические мюзиклы не заставили себя долго ждать: вскоре на больших экранах стали выходить и оригинальные картины под музыку таких великих композиторов, как Джером Керн, Сервинг Берлин, Джордж Гершвин и Коули Портер.

Появление звукового кино спровоцировало формирование системы звезд в Голливуде. Значимость актеров в рекламных кампаниях резко возросла: зрители стали ориентироваться на конкретные лица, исполнители ролей отныне не являлись пустым звуком для них. Продюсеры прозаично закрепляли актеров за конкретным амплуа, с которым им приходилось идти дальше по карьерной лестнице. Интересно, что именно звезды мюзиклов пользовались наибольшей популярностью и уважением в индустрии. Они-то и оттеснили своих коллег по немому кино, которые очень быстро становились пережитком прошлого. Очень интересно данная смена поколений изображена во французском фильме «Артист».

Главным представителем жанра этой эпохи по праву считается «Волшебник страны Оз» – абсолютный бэнгер, как зрительский, так и премиальный. Фильм, ознаменовавший эпоху и сохранившийся в истории кинематографа как вечная классика. Музыкальное сопровождение сделало «Волшебника страны Оз» одним из лучших киномюзиклов тех лет, а статуэтки «Оскар» за лучшую песню и лучший саундтрек лишь уверяют нас в этом. 

 Своей высшей точки мюзиклы достигли в 1940-е. Люди находили в этих фильмах отдушину. Погрузиться в беззаботный мир с песнями и плясками, чтобы хотя бы на время абстрагироваться от войны и фронтовых новостей, хотели многие. Это отражают и сухие цифры: в 1945 году, когда закончилась война, шесть из десяти самых кассовых фильмов являлись мюзиклами.

Стагнация: 1950-е – начало 1960-х

В 1950-х годах Голливуду предстояло столкнуться с новым соперником – телевидением. Однако проблема не была ограничена только этим фактором. Фильмы стали более печальными и реалистичными, их сюжеты затрагивали более серьезные темы, а в самом обществе происходили изменения. Мюзиклы, в свою очередь, становились памятниками прошлого.

Рост стоимости производства мюзиклов привел к тому, что руководители студии Metro-Goldwyn-Mayer перестали рисковать своими деньгами, вкладывая их в оригинальные постановки. Вместо этого они вернулись к знакомой практике экранизации успешных театральных шоу, которые уже имели успех на Бродвее в Нью-Йорке. Некоторые из таких «блокбастеров» были созданы благодаря усилиям Ричарда Роджера и Оскара Хаммерштейна: «Оклахома!» (1955), «Карусель» (1956), «Король и я» (1956) и «На золотом пляже» (1958).

Одно из значимых событий того времени – появление на сцене молодой актрисы мюзиклов Барбары Стрейзанд, которая вскоре стала очень популярной. Отличительным представителем той эпохи можно считать «Вестсайдскую историю» – современную адаптацию истории Ромео и Джульетты, разворачивающуюся в трущобах Нью-Йорка.

Экспериментализм: от 1970-х до 1990-х

В это время роль мюзиклов в кино была практически на исходе. Каждый год выходило около 10 фильмов, что существенно меньше, чем в золотую эпоху мюзиклов, когда их количество достигало 60 и более. Большинство из этих фильмов не имели особой значимости. Тем не менее и Бродвей, и кинематограф продолжали развиваться, что привело к появлению экспериментальных работ. Особенно популярными стали рок-оперы, такие как фильм «Томми» (1975) режиссера Кена Рассела – странное галлюциногенное кино с футуристическими костюмами и декорациями, в котором Элтон Джон исполняет роль волшебника Пинбола. Еще одним примером является экранизация мюзикла «Иисус Христос – суперзвезда», рассказывающая о жизни Иисуса с использованием рок-музыки Эндрю Ллойда Уэббера.

«Бриолин» с Джоном Траволтой стоит отдельного упоминания. За маской искреннего признания в любви к Америке 1950-х годов фильм изображает неоднозначную эпоху с помощью мюзикла. Это семейный фильм, в котором представлены темы подростковой беременности, курения и юных преступников.

От нулевых и позже

Начало нулевых – время, когда киномюзикл вновь начал набирать обороты. До полноценного ренессанса было еще далеко, он не настал и по сей день, однако авторы все чаще стали обращаться к жанру как способу рассказать свою историю. Так, в 2002-м Роб Маршалл со своим «Чикаго» катком проехался по «Оскару», забрав целых шесть статуэток, в том числе за лучший фильм. Фильм также имел большой кассовый успех, так что не исключено, что история про соперничество Рокси Харт и Велмы Келли стала звоночком для всей индустрии, извещающим о том, что зритель вновь готов к пению и танцам на экране.

Хорошие мюзиклы стали посещать нас чаще. Но жанр все еще рассматривался как экспериментальный. Причем эксперименты эти касались не только творческой части, но и технической. За примером далеко ходить не надо: «Отверженные», Том Хуппер, первое соло Вальжана. Его монолог был снят с использованием стедикама –  системы стабилизации камеры, которую носит оператор. Это позволило Хью Джекману двигаться максимально свободно, так, как он считает нужным, чтобы передать все эмоции этой сцены.

Настоящим хитом стал второй фильм Дэмьена Шазелла под названием «Ла-Ла Ленд». Тогда, в 2016 году, фильм с Эммой Стоун и Райаном Гослингом в главных ролях покорил едва ли не каждого романтика своей чарующей атмосферой и магнетической историей любви двух творцов. Эмма и Райан ни разу не профессиональные певцы  и даже не танцоры. Однако, как верно утверждают критики, обаяние и химия между этими двумя оказались гораздо важнее. Интересно, что последний мюзикл категории A, то есть безоговорочно крупный жанровый фильм, который действительно охватил максимально широкую аудиторию, скорее мог бы прижиться в те самые 1930-е годы. Тема джаза, классический сюжет, который, конечно, нельзя считать чем-то принципиально новым, а также снятые с любовью музыкальные номера – все это словно перетекло к нам из золотого века киномюзикла. Получается, круг замкнулся? Отнюдь. «Ла-Ла Ленд» удачно сочетал в себе все самое лучшее, что было наработано жанром за его столетнюю историю, со свежим взглядом Шазелла. Удачная классическая история, рассказанная понятно, а главное, интересно для нового поколения зрителей. Хоть это и выглядит как формула успеха, все же стоит понимать, что все не так просто: талантливые авторы, которые могли бы встряхнуть жанр, на голливудских дорожках не валяются. Мюзикл все еще остается сложным для реализации жанром, браться за который решаются лишь смельчаки. Репутация киномюзикла в массах также не способствует его развитию: среди заядлых кинолюбителей еще можно отыскать тех, кто с уверенностью заявит о своей любви к пению и хореографии. Рядовой же зритель, услышав предложение посмотреть мюзикл, как правило, воспринимает эту идею с долей скептицизма. В лучшем случае. В худшем – открестится от этого на корню.

Наша команда не рассчитывает на то, чтобы изменить положение дел этим материалом. Мы лишь скромно предлагаем вам ознакомиться с нашей подборкой лучших и интереснейших киномюзиклов последних 30 лет. Не исключено, что несколько фильмов смогут заинтересовать вас. В таком случае мы надеемся, что их просмотр станет для вас приятным времяпрепровождением.

В формате лонгрида читайте текст тут.

 Владислав Фатхуллов, Полина Едрышова  ИА «ДОН 24»